En 1985, la chanson la plus vendue au Royaume-Uni était The Power of Love de Jennifer Rush. Trente ans plus tard, c'était Uptown Funk, par Mark Ronson, avec Bruno Mars. De la power ballade soft-rock au dance track, il s'agissait de deux sommets très différents des charts.

Il est évidemment difficile de prendre un échantillon de deux chansons et de tirer des conclusions sensées sur les changements dans la musique populaire. Mais qu'en est-il d'un échantillon de 500, 000 chansons ? C'est exactement ce que les scientifiques de l'Université de Californie à Irvine ont fait, pour suivre les tendances du succès de différents types de chansons entre 1985 et 2015.

Les chercheurs ont utilisé la disponibilité croissante de grands ensembles de données, dans ce cas, les encyclopédies musicales en ligne Musicbrainz et Acousticbrainz. Ils ont analysé un demi-million de chansons sorties au Royaume-Uni au cours de cette période de 30 ans et ont corrélé le succès des charts avec les caractéristiques acoustiques des chansons.

Ceux-ci sont décomposés en variables comme le timbre, tonalité, danse, humeur et grappes de genres. Les résultats suggèrent qu'il existe une tendance générale à moins de chansons joyeuses et à plus de chansons tristes, alors qu'en même temps, il y a eu une augmentation du nombre de chansons dansantes. Pourtant, alors que ce type d'étude de « big data » peut révéler de nouvelles informations sur la musique que les gens écoutent, il est également important d'avoir une vue d'ensemble de la façon dont ils écoutent.

L'idée que les chansons pop deviennent de plus en plus tristes rend la lecture intéressante et les titres accrocheurs. Mais catégoriser les chansons comme « heureuses » ou « tristes » dépend également grandement du contexte social et de l'interaction. Prenons l'exemple d'une chanson qui s'est classée deux fois en tête des charts, 16 ans d'intervalle, La Rhapsodie de Bohême de la Reine. C'est une production multicouche complexe, pas directement dansable et chanté du point de vue d'un meurtrier nihiliste pour qui "rien n'a vraiment d'importance". Pourtant, c'est la source d'une participation de groupe très joyeuse.

Il convient également de considérer que la façon dont nous consommons la musique, et comment cette consommation est mesurée, a beaucoup changé en 30 ans. Les charts sont beaucoup moins importants maintenant que la quantité de musique disponible pour l'auditeur moyen est d'un ordre de grandeur supérieur à ce qu'elle était en 1985. Ensuite, les auditoires comptaient sur un nombre relativement restreint de stations de radio pour écouter de la nouvelle musique. Les charts ont été sélectionnés parmi un nombre limité de singles disponibles et étaient beaucoup plus importants dans l'écoute quotidienne des gens.

Aujourd'hui, les auditeurs ont l'historique de la musique enregistrée dans leurs poches et un contrôle accru sur la façon dont elle est listée et commandée au goût. La technologie que nous utilisons pour écouter de la musique a même modifié notre relation avec elle, en élargissant simultanément les paramètres du choix musical et en rendant l'expérience d'écoute plus intensément privée.

Même si les graphiques eux-mêmes se sont adaptés au fil des décennies, intégrant les téléchargements en 2004 et le streaming en 2014, ils ne représentent plus la même mesure de domination culturelle qu'autrefois. Comme les psychologues Raymond MacDonald, David Hargreaves et Dorothy Miell notent, il y a eu une « démocratisation des styles musicaux dans la mesure où l'association précédente de certains styles avec le « sérieux » et d'autres avec la « popularité » n'existe plus dans la même mesure ».

Alors que les charts enregistrent un succès grand public, ils interagissent également avec et sont nourris par des sous-cultures musicales qui sont souvent définies en opposition à ce courant dominant. Ils grandissent initialement parce qu'ils sont différents de ce qui est dans les charts, mais peuvent éventuellement réussir en s'appuyant sur ce statut, créant des tensions avec les fans d'origine.

Par exemple, une fois que les journaux à sensation ont commencé à utiliser régulièrement des termes tels que « maison d'acide » et à présenter des t-shirts aux visages souriants dans leurs sélections de mode, de nombreux fans de rave originaux ont continué à maintenir leur sens de la distance et de l'opposition au courant dominant. C'est un modèle familier avec les sous-cultures musicales - des mods, aux hippies aux punks – à mesure que leurs marqueurs de différence s'intègrent dans le milieu culturel plus large.

Musique populaire, alors, est un territoire contesté. Les modèles de goût sont en constante évolution, le succès des charts n'étant qu'un axe de l'impact de la musique.

Les limites du big data

Les algorithmes de recommandation des grandes entreprises technologiques font de plus en plus partie du processus de choix musical et culturel, et les ensembles de données massifs qui y sont associés sont une ressource énorme pour les chercheurs. Mais le "populaire" dans la musique populaire est plus qu'une simple mesure quantitative de la consommation, et nous ne pouvons pas simplement le réduire à des composants esthétiques et stylistiques. Il faut aussi tenir compte de ses fonctions sociales. Et cela signifie que des chercheurs de différentes disciplines – à la fois artistiques et scientifiques – s'engagent dans un dialogue pour analyser et interpréter les données.

La musique encodée sous forme de données numériques alimente désormais la matrice plus large de la prise de décision économique et politique, comme la Banque d'Angleterre l'utilisant pour prendre la température économique. Il est donc plus important que jamais que l'aspect social de l'utilisation de la musique ne soit pas enseveli sous les chiffres.

Cet article a été initialement publié sur The Conversation. Lire l'article original.