Le produit de centaines d'années de tradition musicale et narrative mariée à la technologie informatique, la musique de jeu vidéo est passée d'une curiosité technologique à quelque chose de vitalement créatif. La semaine prochaine à Melbourne, certains des meilleurs compositeurs de jeux vidéo du pays se réuniront à la conférence APRA AMCOS High Score pour discuter de l'état de l'industrie.

Comment le son des jeux vidéo est-il passé des bips et des sons d'effacement à des partitions musicales complexes à part entière ?

Une histoire racontée musicalement

Dans un sens, la musique de jeux vidéo est étroitement liée à la composition classique de bandes originales de films, opéra, et ballet—des partitions musicales créées pour accompagner et compléter une histoire racontée par d'autres moyens.

La musique de jeux vidéo s'inscrit souvent dans cette tradition. Il y a des mélodies musicales pour les personnages, pour les lieux, même pour les thèmes, qui reflète ce qu'on appelle le leitmotiv à l'opéra, musiques de ballet ou de film. Wagner a donné à Siegfried une mélodie pour The Ring Cycle; John Williams a donné à Dark Vador une marche impériale; et dans les jeux vidéo, nos héros et méchants ont leurs propres marques musicales, trop.

Mais malgré toutes ses similitudes, la musique de jeu vidéo a toujours été une bête différente. La musique fait plus qu'accompagner des images et des récits, il réagit aussi à l'action.

C'est parce que les joueurs ne se contentent pas de regarder des jeux vidéo. Ils effectuent également des actions :ils appuient sur des boutons, ils déplacent les personnages, ils prennent des décisions. À son tour, les jeux vidéo réagissent en agissant sur le joueur en affichant des choix, offrir des récompenses et les retirer. La musique doit exister dans le cadre de ce système délicat.

Lancer les dés

La réactivité change les rouages ​​du fonctionnement de la musique de jeux vidéo. Comment écrivez-vous une mélodie pour un menu de jeu qui pourrait être laissée à l'écran par un joueur pendant cinq secondes, ou trois heures ? Comment développer un thème pour un personnage avec lequel certains joueurs pourraient passer des heures, mais d'autres joueurs passeront à toute vitesse sur leur chemin vers une autre scène ? Comment fonctionne la musique à suspense si vous ne savez pas à quel point vos joueurs auront peur, ou pour combien de temps ?

Peut-être que le premier exemple de musique réactive est arrivé accidentellement. En 1978, le tempo musical du jeu d'arcade Space Invaders de Taito augmentait régulièrement au fur et à mesure que les joueurs avançaient dans le jeu. Plus le joueur a abattu de vaisseaux spatiaux extraterrestres, plus la musique est jouée vite. Que cela soit en partie dû à une bizarrerie du matériel du jeu (moins d'ennemis à l'écran signifiait que le jeu fonctionnait plus facilement) n'a pas diminué son impact sur l'industrie des jeux.

Aujourd'hui, les choses peuvent être un peu plus compliquées. Pour mon propre travail sur le jeu Untitled Goose Game récemment publié, J'ai découpé une musique pour piano seul écrite par le compositeur Claude Debussy il y a plus d'un siècle en plusieurs centaines de sections de deux à trois secondes. Ensuite, j'ai créé deux performances de chacune :une à haute énergie et une à basse énergie. Les développeurs du jeu ont utilisé cette musique pour concevoir un système qui permet au logiciel de choisir s'il jouera les performances énergétiques élevées ou faibles, ou même le silence, à tout moment.

Le résultat est quelque chose qui ressemble un peu à un pianiste dans le coin de votre pièce, te regarder jouer au jeu, comme un accompagnateur d'une salle de cinéma muet il y a cent ans. Mais c'est le résultat de beaucoup de code, beaucoup de résolution de problèmes, et beaucoup de créativité. Ce type d'approche a plus en commun avec le avant-garde musique d'un John Cage, ou une œuvre de Karlheinz Stockhausen, qui a été le pionnier de la musique aléatoire, où certains éléments de la performance ont été laissés au hasard, comme le lancer de dés.

La tradition rencontre la technologie

Il y a loin d'un modèle de musique de jeu vidéo, bien que, et les quatre décennies écoulées depuis Space Invaders ont vu une variété impossible d'approches techniques non seulement différentes, mais des sons musicaux différents.

À eux seuls, les jeux vidéo fabriqués à Melbourne ont présenté le funk de The Bamboos pour De Blob 2, une partition orchestrale jouée par le Melbourne Symphony Orchestra pour Jurassic Park :Operation Genesis, et une œuvre émouvante pour violoncelle et piano pour Florence. Nous avons également une scène "chiptune" florissante, où les gens font de la nouvelle musique à partir d'échantillons via d'anciennes consoles de jeux vidéo.

Autour du monde, le son du jeu vidéo est devenu une sorte de lingua franca pour plus d'une génération de joueurs. La musique de jeux vidéo est parfois vue à travers une brume nostalgique. Le réalisateur Edgar Wright a décrit la musique de Nintendo comme « les comptines d'une génération », tout en réalisant son film Scott Pilgrim vs The World.

En effet, il est difficile d'exagérer à quel point la musique de jeux vidéo fait désormais partie intégrante de la vie des joueurs. Une simple recherche YouTube pour des reprises de la musique de la franchise Zelda de Nintendo par exemple, génère plus de six millions de résultats, avec les meilleures vidéos, y compris des vidéos mettant en vedette des guitares, a capella en chantant, marimbas, et même une performance musicale sur des verres à vin.

La musique de jeux vidéo est le son de l'une de nos formes culturelles contemporaines les plus populaires. Ancrée dans l'histoire et la tradition, et rendu possible par une technologie de pointe. Les compositeurs de jeux vidéo créent aujourd'hui des univers musicaux aimés par des millions de personnes.

Cet article est republié à partir de The Conversation sous une licence Creative Commons. Lire l'article original.